Интернет-журнал Республика Карелия

Авангард на Неве

Анита Дункерс 12 марта 2013
Голосовать -7 | +10 +
"Звучащее вещество"

"Звучащее вещество"

Провокации и эксперименты в провинции пробивают себе дорогу с трудом, если вообще пробивают. По-прежнему критериями оценки остаются категории: красиво — некрасиво и похоже — не похоже. На выставку–эксперимент зрителя не дождешься, разве что за этим не стоит знаменитое имя. Тогда сойдет все. И все же хотя бы в Питере можно прикоснуться… И на том спасибо. 

«Нет Бога, кроме Малевича»

Во всем виноват «Черный квадрат»! Если бы не он, что бы делали современные художники?! О чем бы спрашивали меня все посетители на выставках, хотя бы отдаленно относящихся к современному искусству? «Черный квадрат» обсуждают все кому не лень. И поэтому мне всегда интересно мнение людей, давно, профессионально и глубоко размышляющих на эту тему.

«Черный квадрат» Казимира Малевича – один из самых главных символов искусства XX века. Способ нового мышления, предложенный Малевичем в изобразительном искусстве, изменил и определил пути его развития, выведя искусство за рамки фигуративного и поставив его на рельсы абстракционизма. Квадрат подсказал новые пластические идеи художникам XX столетия: ведь он — идеальная форма, которую можно разбить на множество геометрических составляющих, в том числе и цветных (все цвета спектра при смешивании дают черный цвет), а их в свою очередь можно расположить на плоскости холста, составив из них гармоничное единство.

100-летию создания «Черного квадрата» была посвящена выставка Музея нонконформистского искусства на Пушкинской, 10 «Авангард Форум А…». В экспозиции были представлены многочисленные вариации на тему квадрата. Как на параде, предстали проработанные современными мастерами открытия русского авангарда начала прошлого века. Талантливым и неожиданным затеям не было конца: светостереография позволяла увидеть куб только при приближении (он вырастал из пола на глазах изумленных зрителей), какие-то вещи радовали глаз цветом, формой, но открывали свои тайны лишь знатокам искусства.

Один из лидеров петербургского авангарда Сергей Ковальский предложил свой знаковый символ – параллелошар. Квадратные перекрещивающиеся плоскости в итоге «развивались» до объема шара, как символ целостности мира через целостность развития искусства. Невероятно эстетская вещь, совмещающая, кажется, всю цветовую палитру, плоскостность и объем.

«Когда б мы знали, из какого сора…»

Не менее разнообразной по находкам была выставка «Звучащее вещество» в Мраморном дворце, организованная Государственным Русским музеем.

Инструмент с выставки "Звучащее вещество"

Инструмент с выставки "Звучащее вещество"

В создании экспозиции приняли участие различные музейные собрания, а также художники, композиторы и музыканты Москвы и Петербурга. 80 произведений, представленных в залах первого и третьего этажей, — это новая попытка продолжить эксперименты представителей русского авангарда с цветом, звуком, формой. На ней были проекты, основанные на переводе звуковых импульсов в изображение, двигательных — в звучание, видеоперформансы и «звучащие» костюмы.

"Купальный костюм"

"Купальный костюм"

Зрители самозабвенно могли стучать на ударных установках, одновременно наблюдая за возникающим на стене изображением, которое рождал издаваемый стук, могли кричать, повторяя крик, изображенный буквами на картине, и лавировать между огромными семечками, реагировавшими на движение тела самыми разнообразными звуками. Звукоизвлечением можно было насладиться, приближаясь и удаляясь от «стены», состоящей из прозрачных трубок и реагирующей на приближение зрителя (чем ближе подошел, тем сильнее звук), могли почувствовать себя звонарями, ударяя по металлическим пластинам (возникал в итоге «колокольный» звон), включать воображение, представляя музыку, которую можно было бы извлечь из инструмента, созданного из всякого хлама, но при этом выглядевшего, как настоящий. И это лишь некоторые примеры интерактива, который был предложен для креативных, любящих современное искусство посетителей.

«А дальше – тишина»

После радостной какофонии Мраморного дворца особенно тихой и наполненной смотрелась выставка Петра Дика  «Территория тишины», экспонировавшаяся в Строгановском дворце. Это уже вторая выставка мастера, которую организует Государственный Русский музей. В состав выставки вошли около 80 графических произведений из собрания ГРМ и коллекции семьи художника.

В листах Петра Дика выражена тема вселенского одиночества и вселенской тишины. Немногословные, лаконичные талантливые пастели, населенные какими-то очень беззащитными, на первый взгляд, персонажами. Учитель с учениками, бредущими за Ним по дороге, силуэты женских фигур, дети и животные. Казалось бы, ни про что. И вместе с тем — о самом главном. О тех, кто рядом, кто в нас нуждается, для кого мы – надежда. Если говорить о собственно художническом ремесле, то в работах Дика присутствует смесь крестьянского архаического искусства и приемы иконописи, цвет и ритм авангардных композиций и образная емкость немногословной японской поэзии. Художник разработал оригинальную авторскую технику пастели по наждачной бумаге, что придает его работам выразительность цвета, который художник рассматривал как «сжатый свет», своеобразное духовное послание.

Выставки мастера состоялись как в различных культурных центрах России: Москве, Петербурге, Владимире, Липецке, Нижнем Новгороде, Новосибирске, Омске, Орле, Туле, Тюмени, так и за рубежом: в Германии, Великобритании и Италии.

«Все разрешено»

И, наконец, масштабное событие – выставка «Без барьеров», открытая в главном здании ГРМ – Михайловском дворце, в корпусе Бенуа.

Произведения из коллекции Русского музея были дополнены экспонатами, предоставленными из мастерских художников, а также из государственных и частных собраний Москвы, Санкт-Петербурга и зарубежных стран. Самые уважаемые и статусные музеи, организации, частные коллекционеры представили на суд зрителей самое разнообразное искусство самых-самых именитых авторов: от Зураба Церетели до «Митьков», от Олега Кулика до Юрия Кугача, от Тимура Новикова до Эрика Булатова. Уважаемый Русский музей не боялся приобретать в свою коллекцию произведения художников неформального искусства (хотя и не в таком количестве, как хотел бы – нет денег!). Теперь они, представляющие «другое искусство», несомненно, составят дополнительную славу его великолепной коллекции.

Известно, что современное искусство занимается поиском новых смыслов. Оно играет ассоциациями, контекстами, проводит параллели, копается в табуированных темах, далеко не всегда приятных нам, любителям «красоты».

1985 – 2000 годы – это время переломных событий в России, распада СССР, краха коммунистической идеологии, и вместе с ним время отмены различных идеологических запретов в искусстве. И последовавшая за ними свобода самовыражения позволила создать потрясающие художественные высказывания мастерам в обеих наших столицах. Часть экспозиции представляла ярое антисоветское искусство.

На картине «Торт» К. Персидского (собрание ГРМ) изображен Кремль, неоспоримый символ России, в виде торта, окруженного горящими свечами (свеча как символ истекающего времени) на огромном столе. Вокруг стола безликая серая масса людей стоит в одинаковых позах, с руками, протянутыми к тарелкам и готовыми в любой момент «урвать» свой кусок. Не правда ли, жутковатый символ определенного периода истории страны? Как сказал Александр Генис в книге «Сладкая жизнь»: «Откровенный век, решив, что свобода приходит нагая, рассеял тот волнующий запах неопределенности, коим славились польские духи «Быть может».

Тема программной наготы в творчестве великого провокатора ХХ века О. Кулика превратилась в миф. Обнаженный художник, часто изображающий собаку и искусавший однажды ноги критиков на свой выставке, в экспозиции Русского музея предстал на огромном полотне. По-прежнему обнаженный, на коне, в сопровождении огромной собаки, он скакал от погони и выстрелов представителей правоохранительных органов. Идея на поверхности: любые попытки провокаций в искусстве пресекались и пресекаются в нашей стране самым ненадлежащим образом.

И чаяния, и надежды героев своего времени «похоронил» П. Шимес в скульптуре «В поисках Икара» (ГРМ). Активная и плотная толпа с подзорными трубами дружно марширует в поисках Икара. Но не замечает того, что давно уже затоптала его. Распростертый на земле, с переломанными крыльями, он образует для нее постамент.

Были на выставке произведения, которые впрямую цитировали знаменитые артефакты отечественного и мирового искусства.

Кто не помнит знаменитую картину М.Соколова «Ленин на субботнике в Кремле», где Ильич, сгибаясь под тяжестью бревна, участвует в общем деле? Ю.Шишков создал полотно «Несут», где под звуки музыки одинокого трубача рабочие несут на плечах (точно как то бревно) гипсовую статую Ленина, указующий перст которого устремлен в небо.

О. Зайка написал картину «Компот» как парафраз знаменитого супа «Кемпбел» Энди Уорхола. Даже надпись на этикетке банки, слегка повернутой от зрителя, читается как «КОМП».

Олег Зайка. "Сливовый компот"

Олег Зайка. "Сливовый компот"

Параллелей и ассоциаций было множество. Думаю, что зрителю, знакомому хоть немного с художественным процессом XX века, было о чем вспомнить.

И все же, на мой взгляд, картина состояния искусства с 1985 до 2000 года оказалась несколько однобокой. Искусство реалистическое скромно расположилось в самом конце выставки. И поэтому после просмотра создается впечатление, что все, ну просто все было разрешено уже с 1980-х. А ведь это далеко не так. В то время, когда очень тонкий ленинградский мастер Евсей Моисеенко писал свою «Голгофу» (1980-е, собрание ГРМ), в нашем городе снимали с выставки картину с изображением креста…

Нет мнений Добавить мнение?
Еще нет ни одного мнения.

Для того, чтобы высказать свое мнение, регистрация не требуется.
Но, по желанию, вы можете зарегистрироваться или или войти на сайт
через свой профиль в социальных сетях:

  • Ваше имя *
  • E-mail
  • Сайт
  • Текст мнения *



Мы в соцсетях
Лучшие